Sledi – Spuren


Österreichisch-Slowenische Reiseausstellung 

Avstrijsko – slovenska potujocÌŒa razstava



Gino Alberti, Svetlana Jakimovska, Gani Llalloshi, Lorena Matic,
Goran Medjugorac, Andrew M. Mezvinsky, Katja Oblak & Julij Borštnik,
Eva Petrič, Tiberius Stanciu, Franz Wassermann, Letizia Werth

Photocredits by Marcus Zobl@Schleifmühlgasse 12-14

“Spuren/Sledi” ist eine Reiseausstellung mit Künstler_innen aus Österreich und Slowenien, die an 5 Stationen, entlang der Südbahnstrecke von Wien nach Venedig, Halt macht.

Die Kurator_innen, Denise Parizek und Vasja Nagy, reisen per Bahn mit den Kunstwerken von Wien über Graz, Maribor. Ljublijana und Koper nach Venedig und sind zwischen April und Dezember 2014 als Botschafter_innen zeitgenössischer Kunst unterwegs.

“Spuren/Sledi” stellt Österreich in einen gesamteuropäischen Kontext.

“Spuren/Sledi” ist 2014 die Ausstellung mit der größten Reichweite.

6 Städte, 3 Länder, gebündelte Energien für eine große Sache.

Zu einigen Ausstellungen werden von den Galerien ART-TALKS bzw. LECTURES mit Gästen aus Kunst, Wissenschaft und Medien veranstaltet. Die Gespräche, Videos und Fotos der Ausstellungen werden über die Webpage (Adresse) und Social Media (fb, google+, tumblr, Twitter) verbreitet.


SLEDI/SPUREN is a traveling exhibition. Its way leads along the tracks of the railway from Vienna to Venice, connecting 3 countries and 12 artists,

2014 is a significant year. 

100 years after the burst of World War 1 we are just in time for reflecting the changes Europe went through, rethinking where we are coming from and heading to.
The project’s main focus is establishing an exchange between the participating artists and sharing working processes. 

Following the railtracks we are tracing a former connection. 

100 years ago the southern railway, connecting Vienna and Trieste, was one of the most important communication channels in Europe. Artists from Slovenia and Austria deal with this traditional route, with building and destroying identities, with their ancestors and generations to come.

You can follow the exhibition and the related art talks and lectures on our webpages and all social networks we are using like tumblr, google+, wix, fb, Twitter i.e.

SLEDI/SPUREN is borderless.
SLEDI/SPUREN is the biggest and most diverse show this year, it’s contemporary, innovative, interdisciplinary, critical and discursive.

6 cities, 3 countries, 12 artists.



Gino Alberti was born in the Dolomites in 1962. He studied art and design in the Leonetto Cappiello Academy in Florence. He lives and works in Bruneck (South Tyrol) and Vienna. Most typical for his work are large format drawings although he sometimes expresses himself with installations as well. In his drawings, he uses two prevailing approaches. The large format drawings present mainly monochromatic landscapes which resemble the 19th century art of painting. The drawings feature mighty and idealised scenes of nature, hills and sea, without human names of places and poetic statements which appear like incidental aphorisms. As for the artist’s other drawings, their style is much closer to strip objects are accompanied by short texts or statements which seem to be an intimate expression, a reaction of the artist’s instant emotional state of mind when looking at the painting. The atmosphere is often associated with uneasiness and gives the impression of an imaginary, surreal world.



Gani Llalloshi – born in 1965 in PrisÌŒtina, Kosovo. He  a classical painter, he continues to work with this medium even when his issues are malicious and his perspective is upside down. But he is also a politically engaged artist, therefore sometimes he turns into a in contemporary art and tries to adapt the nowadays issue to classical craft and knowledge of painting. He is exhibiting internationally. “101 Euro Banknote” is

a project related to the independence of Kosovo in 2008. The conditions in the artist’s homeland inspired that. After Kosovo’s declaration of independence, the country remained under the control of the international community, owing to the government’s inability to establish state institutions such as national currency. European money has been used for trading in its stead. Llalloshi decided to solve this by printing a series of 101 euro notes, claiming to be issued by the Kosovo State Bank, which of course does not exist. On the obverse side, the author depicted himself as Lord Byron in the garb of an Albanian aristocrat as painted by Thomas Phillips. The “101 Euro Banknote” project.



Lorena Matic was born in Trieste, where she lives and works nowadays. A perfect example of unnatural borders and historical scroll of borders. Lorena Matic’s artwork has always been founded on her relationship with people and on the use of several media – from photography to videos, from painting to installations – to put on the stage her dialogues and exchanges with “the other” as the main pivot of creative poetry. Her work is characterized by the attempt to balance the thin line between different genres. Some of her projects are very close to theatre, a mixture of performance and theatre. She deals with issues of daily life or history, like in “Sensazioni Immobiliari”, or for her project for Sledi / Spuren. In the video “Sensazioni Immobiliari” she deals with the imagination everybody has when entering a new apartment for rent. The fantasy estimates and the visitors of the apartment see junkies in the toilet, adultery in the sleeping room and a “The Travel of a Postcard” is the title of her artwork here on display, a project on memory and travel. Memory of time and of people who have witnessed the WW1 by letters, postcards and images. Travelling is represented by train as well and the importance that it assumed in 1857 with the opening of the new route of tracks from Trieste to Vienna. The railway is a relict of a time where travelling had changed working life and the situations of families as well as the transportation of goods and of troops. This is a project about memory and travel.



Goran Medjugorac – born in Ljubljana, Slovenia. He lives and works between Ljubljana and Barcelona and exhibits internationally. He teaches at the University of Barcelona. In times of fast and overwhelming images, he tries to slow down with painting on paper from memory. He perceives it as a rebellious gesture to use paper in time of screens, to make an image that cannot change in front of the beholder’s eyes. It stays there frozen like some written statement, witness of the painter’s opinion or point of view. It is almost revolutionary indeed to make something crafted, with one’s own hands and emancipated from machinery, cultivating analogue forms of expression. He focuses out the weak points of nowadays’ hidden entanglements between economics and politics, like in his picture for Sledi/Spuren, “Soldier”. The alliance between governments and lobbies of big industries and money inspired him to create a visual association  modern times.



Andrew M. Mezvinsky was born in Philadelphia in 1982. He studied creative and performance arts at Philadelphia High School and graduated with a degree in Painting from the Glasgow School of Art. At the moment, he lives and creates between Vienna and New York. In his previous works, he concentrated  he painted. Subsequently, he turned more and more to drawings, which currently represent the majority of his work. Typical for the artist is his waggish humor that he uses to comment on different themes from the past and the present society in which he lives, and at the same time comment on the psychological  latter are placed by the artist, into landscapes and architectures which recall the renaissance and baroque paintings. While forming the compositions, he applies a layer technique which consists of placing the elements in front or behind a basic paper membrane. In a similar way he establishes his entire installations that sometimes involve video animations as well. “Front Lines with Babies in Hand….” shows a soldier’s drawn to the encounter with the child who has been affected by his father’s absence while a confrontation with post-traumatic stress disorder is projected into the future.



Katja Oblak and Julij BorsÌŒtnik are an artistic duo. Katja Oblak is a sculptor and performer. She usually uses her sculpture as a space for body/bodies, by unveiling space and simultaneously condensing it, whether in the presence or absence of the body. Sculpture helps her understand the very essence of the body or other exploring things. Julij BorsÌŒtnik is a critical moviemaker and explorer in social, political and economic issues. His artistic aim is to present these logics in a descriptive, simple and visually rich, yet not  whilst exhibiting internationally. Rail – Railway tells the story of the historic development of the railway, of the hopes and disappointments. The miniature railway starts with the change of paradigm in the pre-modern era from an agrarian production and primitive feudal exploitation. The second stop is at the breaking point of the medieval political superstructure of Habsburg Empire. The 3rd stop tells about the situation after WW 2 and the rebuilding of the nations. The 4th stop marks the end of the growth based on the rising of industrial productivity. Due to the over-accumulation of capital, industry is no longer capable of feeding the private profits. upcoming-events



with a degree in arts and psychology from Webster University in Vienna and completed her master’s studies in new media at the Transart Institute in New York and Donau University in Krems. She creates by applying various media involving photography, video, installation and performance. At the same time, she is a writer and poet. She explores and creates a space with the support of her media. Sometimes this space is physical, sometimes mental, visual or metaphorical. Her installations are ambiences which exploit the structure and form of the stage. With the support of lights and shadows, she establishes an intimate interaction between the spectator and the objects. Intimacy is a frequent element in her work. A female body or its silhouettes, which appear frequently, express emotions and moods without eroticism. They can touch every individual and they can address the spectator, irrespective of gender. The artist’s recent works often incorporate lace, which assumes the role of a pulsating membrane in space. The Inlay Pattern (2014), taken from the traditional lace pattern from Idrija, recalls a rail track with its bends. Through this, the artist has managed to create a metaphor for intimate links between individuals divided by distance. 



studied at the Academy of Arts in Skopje and subsequently at the Academy of Fine Arts in Ljubljana. She has had several international exhibitions over the past years and has been an artist resident in Graz, Berlin and Paris. For Sledi / Spuren, she continues the series “History Curtains”, started in Slovenia and Poland, which functions as a work in progress, with various points of view. The installation assembles  taken from decorations of rituals from the Iron Age, made of bronze (i.e. birds, horses and deer). The artist combines antique images with a modern military service equipment. The combination of ancient and contemporary forms tells a story about lifetime worries  intimidation and the uncertainty.Minimalist art and a modern drone are similar in reduction of human being.



Tiberius Stanciu about himself: »I am not an artist and I do not know what being an artist means. The things I do and show to the public cannot be called art. Art is no longer possible in today’s world. Maybe it was possible in a world that was more divided; in a world, where it was easier to distinguish between the sacred and profane. I don’t know it and quite frankly, I don’t care about it. This is not my business. I recall my windy evenings during the Romanian winters, knitting woollen socks. This is much closer to what I am doing: I connect things between them so that those who are interested in warmth at heart can at least have warm feet. Art is meant for professionals, not amateurs. Kunst kommt von können, käme sie von wollen, hieße sie Wunst (transl. from German: Art comes from »understanding«; if it came from »willing« it would have another name«).



Franz Wasserman was born in 1963. He is a sculptor, living in Innsbruck, working with different media. His art deals with the structures of power in society. He is interested above all in the relationship between the individual and the collective power/incapacity. With his actions and installations, he unveils taboo themes, such as sexual abuse of children, Nazism, the mnemonic culture, Aids and its associated stigma, migration, working conditions in the sphere of culture and the power of mass media. With the support of various artistic media, he openly engages various themes and cooperates at the same time with different partners, ranging from ethnic groups, societies, activists and  LIVING ROOM/Portrait of … is part of a larger sequence which addresses the spectator in an atmosphere that is more intimate when compared to other works by Wasserman. It consists of a series of objects of small dimensions, elaborated with different techniques. The cold, aluminium frames in which they are kept look like boxes or glass cases that protect the samples of a certain inscription, the remains of a certain time and the legacy of certain people. These objects are as distant as museum objects, yet they address us very personally and emotionally.



Letizia Werth was born in South Tyrol. She studied art in Scotland, New York and Kunming and completed her master’s degree at the Academy of Fine Arts in Vienna. In her works, she very frequently applies old photographs as proposals for further transformation or as material. She often looks for photographs in books,  paintings she applied the photographs of anonymous authors of unknown origin. The photographs of people and places are perceived by the artist as found objects, objects trouvés, as bearers of lost stories. What these photographs register is indeed a matter of the past, but at the same time the images are relevant today. As they are covered with a veil of mystery,  documenting. The photographs are dark, turbid and torn which contributes even more to the impression of a fragmented memory. They are merely a fraction of a complex story taken from real life and they do not allow the spectator insight into the whole story. Their transformation into paintings ascribes to them a different atmosphere.


Kuratorentexte / Text by curators

Wie geduldig ist Papier? von Denise Parizek

Wenn international Soundinstallationen und Videospektakel Erfolge feiern, kann es nur anachronistisch anmuten, Papier in der zeitgenössischen Kunst als Medium zu nutzen.
Papier wird sofort mit Zweidimensionalität, Zeichnung, Skizze und Studie verbunden. Die Assoziation zu Innovation fehlt vordergründig.
Doch Papier wird eines der bleibenden und kommenden Medien sein. Papier ist zeitlos, ohne vorgegebene Dimension. Aus Papier kann alles entstehen.
International renommierte Künstler widmen sich immer öfter diesem archaischen Medium. Seien es der Papierstapel von Ciprian Muresan beim Galleryweekend in der plan b Galerie in Berlin, oder Kenneth Goldsmiths Projekt “Printing out the Internet”, Marco Pezottas “Standard” oder Street Artists, wie Ella et Pitr, die vermehrt mit Wallpapers arbeiten.
Archivierung und Katalogisierung an Hand von Kopien zeigte Astrid Sodomka mit ihrem Projekt “1:1 Archiving Capistrangasse”. “1:1” weist Parallelen zu Taryn Simons & Aaron Schwartz Projekt “Image Atlas” auf, macht jedoch den Schritt zurück auf die analoge Ebene der A4 Kopie, die wiederum den eigenartigen Charme des Mediums Papier aus Sicht der 70er Jahre aufleben lässt.
Auf Papier kann gezeichnet und gemalt werden, wie der kanadische Künstler Zachari Logan mit seinen Pastellzeichnungen auf schwarzem Untergrund zeigt. Die weißen Daturablüten wachsen förmlich aus dem Bild, als ob die Betrachtenden sie pflücken könnten. Andere Bilder versprechen die Textur von Tapissierie.

Papier ist das Medium, der Ausdruck, die Haptik. Die Tiefe hängt von der Art des Papiers ab. Ob Naturpapier, Bütte oder Transparentpapier. Papier ist nicht gleich Papier.
Bei Jelena Miskovics Multimedia-Installation zur Ausstellung “faceless II” wurde es für dreidimensionale Darstellungen von Häusern und Sesseliftsessel eingesetzt. Die Japanische Origami Tradition zeigt deutlich auf, wie stabil und dauerhaft Skulpturen aus Papier sein können.

Papier kann auch vorspiegeln, was es nicht ist, wie bei Marcus Zobls “lolla” Skulpturen aus Pappmache, deren Oberflächen, farblich behandelt, den Anschein von Bronze erzeugen. Ein vermeintlich schweres, kaltes Objekt stellt sich als leicht und warm heraus.
Papier kommt heute ein ganz neuer, wichtiger Aspekt zugute:
Papier ist haltbar, Papier ist “verschwiegen”.

Den Diskussionen der 80er gegen sinnlose Abholzung von Wäldern und dem verantwortungslosen Umgang mit Ressourcen, stehen die heutigen Entwicklungen der Netzwelt gegenüber. Die Hoffnung einer optimalen Lösung von Datenspeicherung im digitalen Zeitalter hat sich als Boomerang erwiesen.
Zuerst kam die Enttäuschung über das Medium CD. Wurde uns nicht unendliche Robustheit und damit verbundene Haltbarkeit versprochen? Heute wissen wir, dass CDs eine relative kurze Haltbarkeit besitzen. Venyls und Kassetten sind ihnen weit überlegen.
Selbiges gilt für externe Festplatten. Die allgemein willkommene Lösung ist die Auslagerung der Daten an externe Clouds, Riesenserver, die unendlich große Datenmengen auffangen können.
Grundsätzlich eine wunderbare Idee, doch es kommt wie immer darauf an, wem sie außerdem nutzt.
Nach den Aufdecker Assange, Manning, Snowden, Poitras wurde die Durchlässigkeit von digitalen Netzen und deren Missbrauch und kommerzieller Verwendung sichtbar. Der Absatz am Schreibmaschinenmarkt stieg, tot geglaubte Branchen wurden zum Leben erweckt.
Spione schreiben wieder Briefe, es scheint, als ob das Rad der Entwicklung zurückgedreht würde.
Auf Wikipedia wird immer offensichtlicher, dass ebendieses Kompendium von PR-Agenturen und Firmen missbraucht wird. Unangenehme Tatsachen und historische Verstrickungen werden gelöscht und anscheinend unabhängige Empfehlungen für Produkte eingetragen. Geschichtsschreibung ist immer fraglich, auch unsere gedruckten Lexika dürfen wir nicht unreflektiert lesen. Doch gerade Wikipedia sollte ein Beispiel für offenen Wissenstransfer sein, frei von wirtschaftlichen oder politischen Interessen und Hierarchien.

Jaron Lanier, einer der Mitbegründer und Entwickler des Internets, sagt, dass er die Idee von Internet liebe, allerdings wird ihm mehr und mehr klar, dass die User durch die vermeintliche Freiheit des Netzes zu einer unbezahlten Menge von Sklaven degradiert wurden, um mit ihren Daten auf der Konsumebene nochmals gemolken zu werden. Wir arbeiten nicht nur freiwillig für die Institutionen mit den stärksten Rechnern, wir helfen den Unternehmen auch herauszufinden, wo wir kommerziell zu knacken sind, um uns dann mit gezielter Werbung in den Kaufrausch zu locken.

Wir opponieren gegen die Durchsichtigkeit des Einzelnen, gegen die Idee des gläsernen Menschen und helfen doch tagtäglich bei jedem Einkauf mit Vorteils- oder Einkaufskarten bzw. Kredit- und Bankomatkarten mit, unser Kaufverhalten, unsere Interessen und Vorlieben zu sammeln und auszuwerten. In sozialen Medien offenbaren wir freiwillig intimste Geheimnisse.

Natürlich stellt sich mir nie die Frage nach einem “Entweder / Oder”. Klar nützen wir die Vorteile der modernen Zeiten. Nie möchte ich einen Text nur mit der Hand schreiben. Manchmal denke ich sogar, ich hätte durch das permanente Tippen das Schreiben verlernt. Ich schreibe wieder analoge Briefe und freue mich über jede Postkarte, die bei mir im Kasten landet.

Umso vielfältiger unsere Ausdrucksformen sind und bleiben, umso variantenreicher wir die Medien verwenden, desto eher wird es uns gelingen, die Bereicherungen festzustellen und Eingrenzungen einfach nicht mehr zuzulassen.

Ich will mich weder durch Moden noch durch Medien im Denken und Handeln einengen lassen. Die wichtigen Dinge des Lebens unterliegen keinerlei Mode Erscheinung. Die Ausstellung Spuren / Sledi visualisiert, wie sehr wir Künstler am Puls der Zeit arbeiten.


How patient can paper be? by Denise Parizek

Paper as a medium – how old-fashioned and anachronistic is that?
Paper, an issue in contemporary art, at the same moment as sound installations and video extravaganza celebrate their success on the international market.
Paper is immediately connected with two dimensions – drawings and studies, whilst the connection with innovation is apparently missing.
Paper will rise again as a relevant medium.
Paper is timeless, without dimensions.

Internationally renowned artists are increasingly devoting themselves to this archaic medium, for example Ciprian Muresan’s paper stack during Gallery Weekend at plan b gallery in Berlin, Kenneth Goldsmith’s project “Printing out the Internet”, Marco Pezottas’ “Standard”, as well as many street artists like Ella et Pitr, who work recently more with wallpaper.

Archiving and cataloging of copies by hand drove Astrid Sodomka to produce her project “1:1 Archiving Capistrangasse”. “1:1” has parallels to Taryn Simon’s & Aaron Schwartz’s online project “Image Atlas”, but it extends the dimension of an analogue collection of catalogued things as copies, which in turn brings back to life the peculiar charm of the medium paper from the perspective of the 70s.
On paper one can draw and paint, as Canadian artist Zachary Logan shows with his pastel drawings on black paper. The blooming white Datura is bursting out of the picture almost literally, as if the viewer could pick it. Other images promise the texture of tapestry.

Paper is the medium, the expression, the feeling of the surface; depth depends on the type of paper, on whether it is natural paper, handmade paper, or transparent paper. Paper is not paper.

In Jelena Miskovics’s multimedia installation for the exhibition “faceless”, paper was used for three-dimensional representations of houses and chairs of a chair lift for skiing. The Japanese Origami tradition clearly demonstrates the tenability of paper sculptures.
Paper can also pretend to be what it is not,. Marcus  Zobl’s “lolla” papier maché sculptures affect the appearance of bronze. A supposedly heavy and cold object turns out to be light and warm. In addition, paper endorses today a brand new, important aspect: paper is durable, paper is “concealed”.
The counterpart, during the 21st senseless deforestation and towards the responsible treatment of natural resources, such as paper, is the development of our network world.
The hope for an optimal solution of data storage in the digital age has proven to be a boomerang.
The first disappointing appearance was the medium of the CD. Had the industry not promised an infinite robustness and related durability? Today we know about the relatively short shelf life of CDs in comparison to Vinyl’s and tapes. The same applies to external hard drives. The generally welcome solution is to outsource the data to external clouds, giant servers that can absorb infinite amounts of data.
Basically, a wonderful idea, but doesn’t it evolve, as always? After uncovering the permeability of digital networks and their abuse or commercial use by Assange, Manning, Snowdon and Poitras, the disposal within the typewriter market increases, presumed dead branches are brought back to life.

Spies write letters again, it seems as if the wheel of development has turned once more.
Wikipedia is utilized more and more by PR agencies and companies. Unpleasant facts and historical entanglements are deleted and these companies bootleg alleged independent recommendations for products.

Jaron Lanier, one of the founders and developers of the Internet, says that he loved the idea of free net, yet it becomes more and more clear that users are degraded by the supposed freedom of the system to the condition of slaves. Their data is milked on the consumption level again. We are not only volunteering for institutions with the most powerful computers, we innocently join up to help big brands find out where our commercially crack is located, to lure us with targeted advertising in the buying frenzy.

We oppose the transparency of the individual, against the idea of transparency. People help every day, with every purchase with advantage or store cards or credit and debit cards, to analyze our buying patterns and to collect our interests and preferences and evaluate them. In social media, we voluntarily make public our most intimate secrets.
Of course, I never asks myself the question “either / or”. Obviously, we avail the benefits of modern times. I never want to write a text without my computer; sometimes I even think I have forgotten how to write by hand. I learn again to write letters and postcards, I appreciate every letter landing in my analog mailbox. Are mails, written faster, and what is more – on the smartphone, thereby perhaps ambiguous, more readily unclear?
It is of no importance if paper is classified as a traditional or old-fashioned medium – the exhibition Sledi / Spuren / Tracks will visualize how close the artists are to the pulse of their time. I never wanted to be influenced by IN or IT, rather I swam against the current; yet that has helped so far me to avoid influences of all sorts, and go straight forward on my own track, following the traces of my interest.


Spuren von  Vasja Nagy

Hundert Jahre sind ein Zeitraum, den man als Dauer eines Menschenlebens betrachten kann. Es ist aber auch ein Zeitraum, in dem drei oder sogar vier Generationen heranwachsen. Berichte über die Vergangenheit sind noch aus der direkten Erfahrung möglich, trägt doch der Hundertjährige die Geschichte eines ganzen Lebens in sich, die er an seine Nachkommen weitergeben kann. Die dritte Generation ist jene, die von ihren Eltern empfängt, was diese wiederum von ihren Eltern empfangen haben. Sie ist getrennt vom Originalereignis, doch die Überlieferung erreicht sie entweder über Erzählungen oder direkt über den Erzähler. Ein Jahrhundert als Gleichnis markiert eine sehr lange Zeit, jedoch wird es wegen der Möglichkeit der unvermittelten Zeitzeugen Berichte noch nicht zum Mythos, wie dies bei einem Jahrtausend der Fall ist. Dabei handelt es sich schon Geschichten von Urvätern, die niemand von den Lebenden mehr gekannt hat. Man hat nur von ihnen gehört. Eine hundertjährige Geschichte steht somit an der Schwelle zwischen Übergabe und Vergessen.

Das Jahr 1914 kennzeichnet den Beginn des Ersten Weltkriegs. Dieser griff in das Leben in Europa in größerem Maße ein als jeder andere zuvor und zog Menschen von nahezu der ganzen Welt in ihr Schlachten und Töten hinein. Die Menschen im Gebiet des heutigen Österreich und Slowenien waren über Jahrhunderte hinweg durch unterschiedliche Wege miteinander verbunden, denen wir in die Vergangenheit bis hin zur Bernsteinstraße folgen. Sie waren jedoch getrennt durch politische und verwaltungstechnische Gebilde mit all ihren Grenzen, die separieren, Identitäten schaffen. Grenzen sind auf verschiedene Arten durchlässige Membranen, an denen man sich auch auf verschiedene Arten begegnet, und mit der Zeit entstehen in ihrer Nähe Kommunikationsknotenpunkte, wenngleich manchmal auch geheime. Im 19. Jahrhundert wurde die alte Bernsteinstraße mit der Eisenbahn modernisiert. Es war eine der ersten in Europa. Sie verband die Adria mit der damaligen Hauptstadt des gemeinsamen Staates.

Dieses Projekt möchte selbstverständlich keine Monarchienostalgie erwecken, ist sich jedoch der aktuellen politisch-ökonomischen Ordnung bewusst, die die Grenzen zwischen einigen europäischen Staaten lockerte. In diesem Fall geht es um jene Grenzen, die als Konsequenz der internationalen Übereinkommen nach dem Ersten Weltkrieg entstanden. Sie existieren heute weiterhin, jedoch ist ihr Überschreiten einfacher geworden. Dies gilt nicht nur für Schranken und Passkontrollen, sondern auch für die Handels- und Steuerpolitik. Wir dürfen auch nicht auf die Etablierung und Verbesserung des Durchschnittskönnens des Englischen als Lingua franca vergessen, in der wir auch ohne das Wissen der verschiedenen Landessprachen miteinander kommunizieren können. Das Verbinden von Künstlern, Galerien, Institutionen, Fachleuten und Unternehmen zu einer Konspiration – im Sinne von gemeinsamem Atmen – scheint somit fast schon charakteristisch für die Zeit, in der wir leben. Es geht nicht um das Einreißen von Grenzen, sondern um ihr Überschreiten in dem Bewusstsein, dass wir die Erben einer gemeinsamen Vergangenheit sind.

Wenn wir versuchen, in die Vergangenheit zu blicken, stellen wir recht schnell fest, dass wir sie nicht erkennen können. Das Sammeln von Abdrücken aus einer Zeit, die schon vorbei ist, und das Zusammensetzen von Mosaik Steinchen zu einer Geschichte bringt uns lediglich zu einer mehr oder minder wahrscheinlichen Erklärung, wie die Geschehnisse geschehen sind. Die Geschichtsschreibung unterscheidet sich im Grunde nicht wesentlich von Legenden. Das Wort Legende selbst bedeutet „das, was zu lesen ist“ (um zu verstehen, was wir vor Augen haben), und von hier ist es nur ein kleiner Schritt zur Behauptung, dass wir die Vergangenheit kennen müssen, um die Gegenwart zu begreifen. In diese Richtung kann man auch Mark Twain verstehen, wenn er sagt, dass der Unterschied zwischen Wahrheit und Fiktion jener ist, dass die Fiktion einen Sinn zu ergeben habe. Dass die Geschichte als Wissenschaft unsinnige Erklärungen nicht anerkennt, müsste man wahrscheinlich nicht extra betonen, aber dennoch. Es ist nun einmal die Folge des Positivismus des 19. Jahrhunderts. Nicht zuletzt geht es um eine Ordnung, ohne die die Gegenwart noch chaotischer wäre als sowieso schon. Und nicht nur die Gegenwart, auch die Vergangenheit. Geschichten über die Zeit sind im Grunde Geschichten über Leben und Tod, über Anfang und Ende. Für die Menschen.

Die Spur ist eine Erfindung des Menschen. Vielleicht kennen sie auch andere Wesen, jedoch nur, wenn sie sich der Vergangenheit bewusst sind. Wir nehmen Spuren als Anwesenheit in der Abwesenheit wahr. Als Zeichen von etwas, das gewesen ist, hier, einst. Das Wiedererkennen von Spuren ist verbunden mit der Imagination des Abwesenden. Wir müssen uns vorstellen, wer oder was Spuren hinterlassen hat, oder zumindest einen gewissen Zustand als Konsequenz eines Ereignisses begreifen. Durch den Weltraum schwirren seit Ewigkeiten dieselben Atome, weshalb alle Gegenwart die Konsequenz von etwas ist. Darum müssen wir zu unserer Fiktion zurückkehren, mit der wir Ordnung schaffen. Vielleicht fällt uns mit ihr das Überleben leichter, oder wir vertreiben mit ihrer Hilfe die Langeweile, weil wir uns ein Leben jenseits von Sinn nicht vorstellen können. Wir sehen Spuren als Zeichen, dann als Symbole, und erst danach modellieren wir Geschichten. Wir wählen Phänomene im Weltraum und entscheiden selbst, was für uns von Bedeutung ist und was nicht. Denken wir nur an die eingravierten Symbole an den Weltraumfahrzeugen Pioneer und Voyager. In Wirklichkeit können wir nicht überzeugt sein, dass eine extraterrestrische Intelligenz sie wirklich als Nachricht verstehen würde. Auch wir imaginieren im Bärenpfotenabdruck im Schnee einen Bären, weil wir etwas Ähnliches bereits kennen. Jedoch können wir auf die letzten 100 Jahre noch relativ unvermittelt blicken. Nervengase, Atombombe, Rock ‘n’ Roll, Mauerfall und kabellose Verbindungen können wir uns bildhaft vorstellen. Während die Erfindungen von Nikola Tesla, die Errungenschaften von Albert Einstein und die Sklaverei zum Mythos geworden sind. Oder, weil wir Spuren auslegen, wie es uns entspricht, zu selbstverständlichen Begleitern unseres Alltags.






Schleifmühlgasse 12-14

4.4. – 30.4.2014

1040 Wien

Öffnungszeiten: Do. + Fr. 14-19 Uhr, Sa. 10-15 Uhr




8. 5. – 28. 5. 2014

Novi trg 2, Ljubljana




30. 5. – 22. 6. 2014

Koroška 8



Pavelhaus/Pavlova hiša

5.7. – 13.9.2014
4.7. Diskussion / Talk 7 pm

Öffnungszeiten: Di.-Sa. 13.30 – 18.30 h



Obalne galerije Piran

Galerija Loža

Titov trg 1

30. 10.–30. 11. 2014
12.11. Diskussion / Talk 5 pm

Öffnungszeiten: Die.-Sa. 11 – 18 Uhr

So. 11 – 16 Uhr



Obalne galerije Piran

Galleria A plus A

San Marco 3073

4.–27. 12. 2014

Öffnungszeiten: Di.-Sa. 11-14 Uhr & 15-18 Uhr